Dalle poesie di Baudelaire reinterpretate nel progetto Dafnee alla scrittura di brani originali con il nome di Jumelle, Sara Brighenti ha sviluppato un percorso artistico che intreccia musica, recitazione e ricerca espressiva. Con il singolo “Candy Crush” affronta le delusioni sentimentali attraverso una chiave ironica, trasformando il gioco in una metafora delle relazioni contemporanee e della libertà di scegliere. Il brano, caratterizzato da sonorità vivaci e sfumature malinconiche, riflette una sensibilità artistica in cui leggerezza e introspezione convivono. Nel suo percorso trovano spazio anche l’attenzione all’estetica, il rapporto con il teatro e l’interesse per la musica classica, elementi che potrebbero influenzare le sue prossime produzioni.
Com’è cambiato il tuo modo di raccontarti passando dall’adattamento delle poesie di Baudelaire, pubblicato come Dafnee, alla scrittura di brani inediti come Jumelle?
Sicuramente, da quel momento, tutto è diventato molto più personale. Il progetto dedicato a I Fiori del Male di Baudelaire è stato fondamentale perché mi ha fatto capire che anch’io potevo creare qualcosa di bello. Prima di allora mi percepivo più come un interprete che come un’autrice: non avevo ancora piena fiducia nella mia capacità creativa. Da allora ho iniziato a mettermi alla prova, a esplorare una dimensione più personale e, soprattutto, a raccontare piccoli frammenti della mia vita attraverso le mie canzoni.
Hai studiato recitazione prima di avvicinarti al canto: quanto ha influenzato il tuo modo di interpretare una canzone e dare forma ai suoi personaggi? Raccontaci il tuo percorso.
Studiare recitazione mi ha aiutata a ricercare una dimensione più profonda in ogni esperienza e a comprendere che anche quelle più dolorose possono trasformarsi in qualcosa di bello. Durante l’accademia ho avuto modo di conoscere diverse tecniche e metodi di lavoro attoriale, che hanno arricchito il mio approccio all’arte. Mi hanno insegnato che, quando reciti così come quando canti, è fondamentale sapersi mettere a nudo, essere vulnerabili davanti al pubblico. Nel linguaggio attoriale si parla di generosità: la capacità di offrirsi completamente e, allo stesso tempo, di assorbire ciò che ci circonda, trasformando esperienze e incontri in materia da portare nella propria arte.
In “Candy Crush” il gioco diventa una metafora del dating e della possibilità di riprendere in mano le proprie scelte. Come hai trovato il tono ironico con cui raccontare un’esperienza che può anche fare male?
Credo che l’ironia sia una delle caratteristiche che più contraddistinguono il mio modo di approcciarmi alla vita. Penso che anche le esperienze più dolorose possano, col tempo, essere riscritte e reinterpretate, fino a trasformarsi in qualcosa di positivo e generativo. Il dolore va attraversato, ma ciò che resta può essere raccontato in tanti modi diversi. Candy Crush vuole essere un inno alla libertà, alla riscoperta di sé, al gioco come approccio alla vita. Quando soffro mi prendo molto sul serio, sto dentro a quel dolore, e poi cerco di lasciarlo andare, e di ritrovare la mia leggerezza. Candy Crush in questo senso rappresenta solo una delle mille sfaccettature di quell’esperienza.
Il brano ha un sound vivace e colorato, ma conserva una vena malinconica. Come lavori sull’equilibrio tra ciò che si ascolta e ciò che si nasconde sotto la superficie?
Credo che questa dualità faccia parte di me da sempre e che, proprio per questo, emerga in modo molto naturale nei miei lavori. Sono una persona che vive le emozioni in maniera intensa, a volte anche contrastante: ho una grande sensibilità, che mi porta a sentire tutto molto profondamente, ma allo stesso tempo una natura piuttosto vivace, aperta e vitale. Penso che l’arte sia sempre stata il mio modo di dare una forma a queste contraddizioni: attraverso la musica riesco a esprimere le emozioni in modo catartico, anche quelle più difficili. Non sento quindi la vivacità e la malinconia come due elementi in opposizione, ma come due facce della stessa medaglia. D’altronde sono dei Gemelli, vivo di enormi apparenti contraddizioni!
Per il video hai tradotto in immagini le sensazioni della canzone, dalle bolle di sapone ai colori pastello. Quale idea visiva ti ha aiutata a raccontare il mondo di “Candy Crush”?
Per me parte sempre tutto da un dettaglio visivo che mi ispira. Generalmente, quando lavoro a una canzone, mi chiedo quali siano i suoi colori. In questo caso è partito tutto dallo stivale rosa che indosso nel video e in copertina: l’ho visto, mi ha colpita e da lì ho costruito il resto del look e dell’estetica del progetto. Solo in un secondo momento ho riconosciuto nel rosa la vivacità e la parte più spumeggiante del brano, e nell’azzurro la sua componente più malinconica e introspettiva: sono associazioni nate in modo del tutto inconscio. Sono una persona fortemente visiva e l’arte visiva e la moda sono per me aspetti fondamentali di ogni mio lavoro.
Parli di nuove sfumature da esplorare e di contaminazioni tra generi: quali direzioni musicali ti incuriosiscono in questo momento e che cosa vorresti far scoprire di te nei prossimi brani?
Ho sempre desiderato integrare elementi di musica classica nei miei progetti. Amo la musica barocca, da Bach a Scarlatti, l’opera e le grandi composizioni che gli autori russi hanno scritto per il balletto. Mi piacerebbe molto riuscire a incorporare una composizione classica all’interno di un mio brano o di un progetto futuro, oppure lasciarmi ispirare dalla mitologia e dai libri che amo di più. Mi interessa quindi attingere a qualcosa che esiste al di fuori di me, ma in cui ritrovo una forte risonanza personale. In questo momento sento il bisogno di assorbire il più possibile da ciò che mi circonda, per poi rielaborarlo e restituire a chi mi ascolta qualcosa di magico e forse di più drammatico rispetto al passato.
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